arteabstracto

El Lienzo como Campo de Batalla: Heroísmo del Artista

Spanish/english:

«You gave me peace in a lifetime of war» – le dice Aquiles a Briseida en una hermosa escena de Troya. Un guerrero que, en medio del fragor de la batalla, descubre que el amor puede ser más poderoso que la espada. Pero esta transformación épica no ocurre solo en los campos de batalla antiguos; sucede cada día en los estudios de artistas de todo el mundo, donde el lienzo se convierte en su propia Troya personal.

El Lienzo como Campo de Batalla

Cada mañana, cuando el artista se enfrenta al lienzo en blanco, libra una guerra silenciosa pero épica. Como Aquiles empuñando su lanza, el artista toma su pincel, pero no siempre con el corazón dispuesto para la batalla. Porque somos humanos, y los humanos tenemos días grises, mañanas donde el ánimo está quebrado sin razón aparente, tardes donde la inspiración parece haberse ido lejos y la energía ni el clima acompañan..

Es precisamente en estos momentos cuando cada pincelada se convierte en un acto heroico. Continuar pintando cuando el alma duele, cuando la motivación ha huido como los troyanos tras las murallas, cuando ni siquiera sabemos por qué nos sentimos vacíos. El artista debe romper esa inercia, vencer la resistencia interna y dar esa primera pincelada. Y luego otra. Y otra más.

Como los guerreros en Troya que continuaban luchando día tras día, sin saber si verían el amanecer, el artista continúa creando, pincelada a pincelada, construyendo su obra en medio de la batalla personal contra el desánimo, la duda, la oscuridad interior.

La Guerra de los Colores

En una obra abstracta, los colores libran su propia guerra épica. Los rojos sangran en el lienzo como la pasión y la furia de Aquiles, representando la intensidad del combate emocional. Los azules se extienden como la melancolía del mar Egeo, cargados de nostalgia y pérdida. Los negros avanzan como la noche troyana, pesados con la sombra del destino.

Pero cuando estos colores se encuentran, cuando el rojo toca el azul y nace el púrpura, sucede algo mágico. Como cuando Aquiles conoce a Briseida, la guerra se transforma en algo más profundo. El púrpura del amor cambia toda la composición, reorganiza las fuerzas en el lienzo, crea una nueva armonía que trasciende el conflicto original.

Los amarillos aparecen como destellos de esperanza, como la aurora que promete el fin de la batalla. Los verdes emergen como la vida que renace después de la destrucción. Y así, color tras color, pincelada tras pincelada, el artista no solo pinta: alquimiza sus emociones en guerra hacia una nueva síntesis.

El Encuentro con la Musa: La Briseida Interior

Pero la verdadera transformación sucede cuando el artista encuentra su «Briseida» interior. No es solo inspiración; es algo más profundo y arquetípico. Como Beatrice guiando a Dante a través del Paraíso, como Atenea inspirando sabiduría a los héroes griegos, como Arwen ofreciendo esperanza a Aragorn en las tierras sombrías de la Tierra Media.

Esta fuerza femenina arquetípica representa la intuición creativa, la sabiduría que trasciende la técnica, la conexión con lo sagrado del acto creativo. Cuando el artista la encuentra e integra, deja de pintar para la gloria, para el reconocimiento, para probar algo al mundo. Como Aquiles transformado por el amor, comienza a crear desde un lugar diferente: desde la paz interior, desde la conexión con algo más grande que él mismo.

Ya no es el guerrero que busca honor en la batalla; se convierte en el poeta que encuentra belleza en la vulnerabilidad, en el canal que permite que algo divino fluya a través de sus manos hacia el lienzo.

La Paz en el Acto Creativo

Cuando esto sucede, cada pincelada se convierte en una oración, cada color en una palabra de un lenguaje sagrado que solo el corazón comprende. El estudio se transforma: ya no es un campo de batalla, sino un templo donde se celebra la unión entre lo humano y lo divino, entre el dolor y la belleza, entre la guerra y la paz.

El artista abstracto, como Aquiles con Briseida, descubre que en medio de una vida de luchas internas, de días difíciles, de batallas contra la duda y el desánimo, existe una fuerza que puede dar paz: el acto puro de creación, la entrega total al momento presente donde solo existen el pincel, el color y la respiración.

Y al final, cuando contemplamos una obra abstracta verdaderamente lograda, no vemos solo colores y formas. Vemos el registro de una transformación, la huella de un guerrero que encontró su paz, la evidencia de que el amor – por el arte, por la vida, por la belleza – puede vencer cualquier guerra interior.

«Me diste paz en una vida de guerra» – susurra el artista a su obra terminada, sabiendo que en cada pincelada heroica, en cada color que se atrevió a mezclar, en cada momento que eligió crear a pesar del dolor, encontró su propia Briseida: la fuerza eterna del arte que transforma el sufrimiento en belleza.*

…………

English version:

«The canvas as a battlefield: heroism of the artist»

«You gave me peace in a lifetime of war,» Achilles tells Briseis in a beautiful scene from Troy. A warrior who, amidst the heat of battle, discovers that love can be mightier than the sword. But this epic transformation doesn’t only happen on ancient battlefields; it happens every day in artists’ studios around the world, where the canvas becomes their own personal Troy.

The Canvas as a Battlefield

Every morning, when the artist faces the blank canvas, he wages a silent but epic war. Like Achilles wielding his spear, the artist takes up his brush, but not always with his heart ready for battle. Because we are human, and humans have gray days, mornings where spirits are broken for no apparent reason, afternoons where inspiration seems to have vanished and neither energy nor the weather is in sync.

It is precisely in these moments that every brushstroke becomes a heroic act. To continue painting when the soul aches, when motivation has fled like the Trojans after the walls, when we don’t even know why we feel empty. The artist must break that inertia, overcome internal resistance, and make that first brushstroke. And then another. And another.

Like the warriors at Troy who continued fighting day after day, not knowing if they would see the dawn, the artist continues creating, brushstroke by brushstroke, building his work in the midst of a personal battle against discouragement, doubt, and inner darkness.

The War of Colors

In an abstract work, colors wage their own epic war. Reds bleed onto the canvas like the passion and fury of Achilles, representing the intensity of emotional combat. Blues spread like the melancholy of the Aegean Sea, heavy with nostalgia and loss. Blacks advance like the Trojan night, heavy with the shadow of destiny.

But when these colors meet, when red touches blue and purple is born, something magical happens. Like when Achilles meets Briseis, war transforms into something deeper. The purple of love changes everything. The composition reorganizes the forces on the canvas, creating a new harmony that transcends the original conflict.

The yellows appear as glimmers of hope, like the dawn promising the end of the battle. The greens emerge like life reborn after destruction. And so, color after color, brushstroke after brushstroke, the artist doesn’t just paint: he alchemizes his warring emotions toward a new synthesis.

The Encounter with the Muse: The Inner Briseid

But the true transformation happens when the artist finds his inner «Briseid.» It’s not just inspiration; it’s something deeper and archetypal. Like Beatrice guiding Dante through Paradise, like Athena inspiring wisdom to the Greek heroes, like Arwen offering hope to Aragorn in the shadowlands of Middle-earth.

This archetypal feminine force represents creative intuition, the wisdom that transcends technique, the connection to the sacredness of the creative act. When the artist finds and integrates it, he stops painting and For glory, for recognition, to prove something to the world. Like Achilles transformed by love, he begins to create from a different place: from inner peace, from a connection with something greater than himself.

He is no longer the warrior who seeks honor in battle; he becomes the poet who finds beauty in vulnerability, in the channel that allows something divine to flow through his hands to the canvas.

Peace in the Creative Act

When this happens, each brushstroke becomes a prayer, each color a word in a sacred language that only the heart understands. The studio is transformed: no longer a battlefield, but a temple where the union between the human and the divine, between pain and beauty, between war and peace, is celebrated.

The abstract artist, like Achilles with Briseis, discovers that in the midst of a life of internal struggles, of difficult days, of battles with doubt and discouragement, there is a force that can bring peace: the pure act of creation, the total surrender to the present moment where only the brush, the color and breath.

And in the end, when we contemplate a truly accomplished abstract work, we don’t just see colors and shapes. We see the record of a transformation, the imprint of a warrior who found his peace, evidence that love—for art, for life, for beauty—can conquer any inner war.

«You gave me peace in a life of war,» the artist whispers to his finished work, knowing that in every heroic brushstroke, in every color he dared to mix, in every moment he chose to create despite the pain, he found his own Briseis: the eternal force of art that transforms suffering into beauty.

El 4 de Julio y el arte. Una reflexión sobre la independencia creativa.

Spanish/ English:

Fuegos Artificiales y Pinceladas: Reflexión sobre la Independencia Creativa

Cada 4 de julio, cuando las primeras chispas de luz estallan contra el cielo nocturno, presenciamos algo más que una celebración patriótica. Esas explosiones de rojo, blanco y azul que se dispersan en el aire son, en esencia, arte abstracto en movimiento: formas puras, colores intensos, gestos efímeros que comunican emociones sin necesidad de palabras.

La Primera Declaración de Independencia

El 4 de julio de 1776, cincuenta y seis hombres firmaron un documento que cambiaría el mundo. Cada firma era un acto de soberanía individual que construía algo colectivo: la libertad de una nación. Pero lo que muchos no consideran es que este acto fue, fundamentalmente, un gesto creativo. Los fundadores no siguieron un manual; improvisaron, experimentaron, crearon algo que nunca antes había existido.

La Independencia del Pincel

Casi dos siglos después, artistas como Mondrian, Pollock, Rothko y De Kooning harían algo similar con sus pinceles. Cada gota de pintura que salpicaba sobre el lienzo era su propia «declaración de independencia» del arte tradicional. Al igual que los fundadores rechazaron las reglas impuestas desde Europa, Pollock y sus contemporáneos rechazaron las academias que dictaban cómo debía verse el arte «verdadero».

Los colores rojo, blanco y azul trascendieron la bandera estadounidense para convertirse en símbolos universales. Mondrian los usó para expresar equilibrio y armonía; Rothko para evocar lo sublime y lo espiritual. Kandinsky para lo mas trascendente. Cada artista abstracto que tomó un pincel ejerció su propia soberanía creativa, decidiendo qué significaba cada trazo, cada mancha, cada explosión de color.

La Libertad en la Era Digital

Hoy, mientras algoritmos predicen nuestros gustos y las redes sociales moldean nuestras percepciones, la independencia creativa se vuelve más relevante que nunca. En un mundo donde nuestros datos son minados y nuestras decisiones son influenciadas por códigos invisibles, cada acto de creación auténtica se convierte en un pequeño acto de resistencia.

El artista frente al lienzo en blanco enfrenta el mismo desafío que los fundadores frente a la página en blanco de la historia: crear algo nuevo, algo propio, algo que no existía antes. En una época donde la inteligencia artificial puede generar imágenes en segundos, la pincelada humana —imperfecta, intencional, cargada de emoción— se vuelve un acto de afirmación de nuestra humanidad.

El Cielo como Lienzo

Así que esta noche, cuando mires hacia el cielo y veas explotar esos fuegos artificiales, recuerda que estás presenciando arte abstracto en su forma más pura. Cada explosión es un gesto único e irrepetible, como cada pincelada de un maestro. Y al igual que la independencia política, la independencia creativa no es un logro del pasado, sino una conquista diaria que debemos renovar con cada decisión, con cada trazo, con cada momento en que elegimos crear en lugar de simplemente consumir.

La verdadera celebración del 4 de julio no está solo en recordar una independencia ganada hace 248 años, sino en ejercer nuestra propia soberanía creativa cada día, manteniendo viva la llama de la libertad en cada gesto artístico que nos atreve a ser únicos en un mundo que constantemente trata de uniformarnos.

Porque al final, tanto la libertad como el arte se basan en la misma premisa revolucionaria: que cada ser humano tiene el derecho inalienable a crear su propio significado y sentido en el mundo.

Y Tú, cuáles son tus actos creativos? deja tu opinión.

………..

English version:

Fireworks and Brushstrokes: A Reflection on Creative Independence

Every Fourth of July, when the first sparks of light burst against the night sky, we witness more than just a patriotic celebration. Those explosions of red, white, and blue that disperse in the air are, in essence, abstract art in motion: pure forms, intense colors, ephemeral gestures that communicate emotions without words.

The First Declaration of Independence

On July 4, 1776, fifty-six men signed a document that would change the world. Each signature was an act of individual sovereignty that built something collective: the freedom of a nation. But what many fail to consider is that this act was, fundamentally, a creative gesture. The Founders didn’t follow a manual; they improvised, experimented, and created something that had never existed before.

The Independence of the Brush

Almost two centuries later, artists like Mondrian, Pollock, Rothko, and de Kooning would do something similar with their paintbrushes. Every drop of paint that splashed onto the canvas was its own «declaration of independence» from traditional art. Just as the Founders rejected the rules imposed by Europe, Pollock and his contemporaries rejected the academies that dictated what «true» art should look like.

The colors red, white, and blue transcended the American flag to become universal symbols. Mondrian used them to express balance and harmony; Rothko to evoke the sublime and the spiritual; Kandinsky for the most transcendent. Every abstract artist who picked up a brush exercised their own creative sovereignty, deciding what each stroke, each stain, each explosion of color meant.

Freedom in the Digital Age

Today, as algorithms predict our tastes and social media shapes our perceptions, creative independence becomes more relevant than ever. In a world where our data is mined and our decisions are influenced by invisible codes, every act of authentic creation becomes a small act of resistance.

The artist before a blank canvas faces the same challenge as the founders before the blank page of history: to create something new, something of their own, something that never existed before. In an age where artificial intelligence can generate images in seconds, the human brushstroke—imperfect, intentional, charged with emotion—becomes an act of affirmation of our humanity.

The Sky as a Canvas

So tonight, when you look up at the sky and see those fireworks explode, remember that you are witnessing abstract art in its purest form. Each explosion is a unique and unrepeatable gesture, like every brushstroke of a master. And like political independence, creative independence is not an achievement of the past, but a daily conquest that we must renew with every decision, with every stroke, with every moment we choose to create rather than simply consume.

The true celebration of the Fourth of July is not only about remembering an independence won 248 years ago, but about exercising our own creative sovereignty every day, keeping the flame of freedom alive in every artistic gesture that dares us to be unique in a world that constantly tries to make us uniform.

Because in the end, both freedom and art are based on the same revolutionary premise: that every human being has the inalienable right to create their own meaning and sense in the world.

Tell me about your creative acts, and your creative independence. Give your opinion.

Art and freedom
Art, freedom, independence

My celestial journey: colors of transformation. (Short version)

As a young boy standing at the ocean’s edge, I would lose myself in the endless blue horizon. «What would the colors of happiness look like?» I wondered, my imagination soaring beyond the visible world. This question—seemingly innocent yet profoundly philosophical—shadowed me through years of study and work in the field of law. While I was living in the structured realm of legal reasoning, something essential remained unexpressed, a voice within me speaking a language I had yet to fully understand.

Then came the tempest that would break open my life. The death of my father—that first, irreplaceable loss—followed by other profound departures, created a constellation of grief in my heart. The solid ground of my existence crumbled beneath my feet. In this shattering, this breaking apart of what was known and comfortable, something unexpected began to emerge.

In the midst of that storm, I felt that art was a calling, a guide that came from within me, from the Universe, from Nature, from God. At first, I resisted this pull toward creativity, clinging to the security of my legal career. My rational mind fought against what my soul demanded.

But the calling grew more insistent, impossible to ignore. Like a distant melody becoming clearer with each passing day, I began to hear the true voice of my inner world. I turned to meditation and contemplative practices, creating spaces of silence where this voice could be heard more distinctly.

And then came the moment of surrender that would alter the course of my life. With hands that belonged both to the lawyer I had been and the artist I was becoming, I picked up a brush. The first stroke of color against white canvas felt like an electric current—a reconnection to something I had always known but somehow forgotten.

I felt a deep calling, a need to express myself through color and painting. It was as if the colors had always been there, waiting inside me, waiting to be released into the world.

Without formal training but guided by an inner wisdom that transcended technique, I began to translate my visions onto paper and canvas. Each painting became a conversation between my suffering and my hope, between the fleeting nature of human existence and the eternal quality of beauty. In watercolor and acrylic, I captured moments of spiritual illumination—celestial bursts of light, cosmic patterns, and flowing energies that seemed to come from beyond ordinary consciousness.

Working through the night in my small studio, I would lose myself in the process of creation. The pain of loss gradually transformed into something else—not forgotten, but transmuted, like carbon under pressure becoming diamond. We can go through impermanence with beauty and creativity. Art allows us to transcend suffering, bringing calm, joy, and deep happiness.

Each finished piece held something of this transformation. Viewers began to respond, many describing an emotional resonance they couldn’t quite explain. A watercolor of radiating burgundy forms against a cosmic blue background seemed to speak directly to the soul, bypassing the intellect. A heart-like abstraction in vibrant reds touched something primal and universal.

Some International recognition followed in online exhibitions in Global Horizons and Parcrowd, both form Canadá, and some finalist paintings in contests in Teravarna from The United States. Yet for me, external success and recognition has always been secondary to the inner journey each painting represents. Freedom and Happiness is the longing of my heart, my purpose. And with that inner clarity the external come naturally. My purpose is to share that vision with the world, bringing colors, shapes, emotions, and transcendence to my works and to life.

Today, my watercolors grace the walls of collectors who sense the spiritual journey contained within each piece. These are not merely decorative objects but portals to another way of seeing—reminders that beauty can emerge from our darkest moments, that loss can be transformed into creation.

To live with one of my originals is to be in daily conversation with transformation itself. Each morning, as light shifts across its surface, the painting reveals new depths, new possibilities. It whispers of my journey from courtroom to canvas, from grief to wonder, from the structured world of law to the boundless realm of creative expression.

And in that whispering is an invitation—to see beyond the visible world, to trust the inner call, and to believe that your own pain, too, might someday radiate with unexpected light. And bring art and beauty to this world.

If you want to see my artwork click here: https://conpasiondotblog.wordpress.com/

Mi viaje celestial: los colores de la transformación

Cuando era niño, de pie junto al océano, me perdía en el infinito horizonte azul. «¿Cómo serían los colores de la felicidad?», me preguntaba mientras mi imaginación se elevaba más allá del mundo visible. Esta pregunta, aparentemente inocente pero profundamente filosófica, me acompañó durante años de estudio y trabajo en el campo del derecho. Si bien lo hacía correctamente en el ámbito estructurado del razonamiento legal, algo esencial permanecía sin expresarse, una voz dentro de mí que hablaba un idioma que aún no entendía del todo.

Luego vino la tempestad que destrozaría mi vida. La muerte de mi padre, esa primera pérdida irreparable, seguida de otras partidas profundas, crearon una constelación de dolor en mi corazón. El terreno sólido de mi existencia se desmoronó bajo mis pies. En esta ruptura, esta ruptura de lo conocido y cómodo, algo inesperado comenzó a surgir.

En medio de esa tormenta, sentí que el arte era un llamado, una guía que venía de dentro de mí, del Universo, de la Naturaleza, de Dios. Al principio, me resistí a esa atracción hacia la creatividad, aferrándome a la seguridad de mi carrera jurídica. Mi mente racional luchaba contra lo que exigía mi alma.

Pero el llamado se hizo más insistente, imposible de ignorar. Como una melodía lejana que se volvía más clara con cada día que pasaba, comencé a escuchar la verdadera voz de mi mundo interior. Me volqué a la meditación y a las prácticas contemplativas, creando espacios de silencio donde esa voz pudiera escucharse con mayor claridad.

Y entonces llegó el momento de rendición que alteraría el curso de mi vida. Con las manos que pertenecían tanto al hombre del mundo del intelecto y el derecho que había sido, como al artista en que me estaba convirtiendo, tomé un pincel. La primera pincelada de color sobre el lienzo blanco se sintió como una corriente eléctrica, una reconexión con algo que siempre había sabido pero de alguna manera había olvidado.

Sentí un llamado profundo, una necesidad de expresarme a través del color y la pintura. Era como si los colores siempre hubieran estado allí, esperando dentro de mí, esperando ser liberados al mundo.

Sin formación formal, pero guiado por una sabiduría interior que trascendía la técnica, comencé a traducir mis visiones en papel y lienzo. Cada obra se convirtió en una conversación entre mis cuestionamientos, el sufrimiento y mi esperanza, entre la naturaleza fugaz de la existencia humana y la cualidad eterna de la belleza. En acuarela y acrílico, capté momentos de iluminación espiritual: estallidos celestiales de luz, patrones cósmicos y energías fluidas que parecían provenir de más allá de la conciencia ordinaria.

Trabajando durante la noche en mi pequeño estudio, me perdía en el proceso de creación. El dolor de la pérdida se transformaba gradualmente en algo más, no olvidado, sino transmutado, como el carbono bajo presión que se convierte en diamante. Podemos atravesar la impermanencia con belleza y creatividad. El arte nos permite trascender el sufrimiento, trayendo calma, alegría y profunda felicidad.

Cada pieza terminada contenía algo de esta transformación. Los espectadores comenzaron a responder, muchos describiendo una resonancia emocional que no podían explicar. Una acuarela de formas radiantes de color burdeos contra un fondo azul cósmico parecía hablar directamente al alma, sin pasar por el intelecto. Una abstracción en forma de corazón en rojos vibrantes tocaba algo primordial y universal.

Obtuve algunos reconocimientos internacionales al exponer online en Global Horizons y Partcrowd de Canadágalerías, y algunas pinturas finalistas en Teravarna de EE.UU. Sin embargo, para mí, el éxito externo siempre ha sido secundario frente al viaje interior que cada obra representa. Lo esencial es encontrar libertad y felicidad. Y al encontrar ese camino necesariamente llega lo externo. Mi propósito es compartir esa visión con el mundo, aportando colores, formas, emociones y trascendencia a mis obras y a la vida.

Hoy, mis acuarelas adornan las paredes de coleccionistas que perciben el viaje espiritual que contiene cada pieza. No son meros objetos decorativos, sino portales a otra forma de ver: recordatorios de que la belleza puede surgir de nuestros momentos más oscuros, de que la pérdida puede transformarse en creación.

Vivir con uno de mis originales es estar en una conversación diaria con la transformación misma. Cada mañana, a medida que la luz se desplaza por su superficie, la pintura revela nuevas profundidades, nuevas posibilidades. Susurra sobre mi viaje desde salas de tribunales al lienzo en la naturaleza, del dolor al asombro, desde lo familiar a lo desconocido, del mundo estructurado de la ley al reino ilimitado de la expresión creativa.

Y en ese susurro hay una invitación: a ver más allá del mundo visible, a confiar en el llamado interior y a creer que tu propio dolor también podría algún día irradiar una luz inesperada. Y entregar arte y belleza a esta vida.

Guía interna / inner guidance

Esta imagen de una Nebulosa en el espacio muestra que eso tan lejano está muy cerca. Que tenemos eso dentro, estamos hechos de los mismos materiales. Esos colores y formas que están en el espacio están en nosotros, (hidrógeno, carbono, etc). Somos literalmente polvo de estrellas. El cultivo de la creatividad, en especial la pintura, me muestra y confirma que todo lo esencial está aquí dentro y no afuera. Sin embargo el ruido mental y las distracciones del mundo hacen que no se pueda escucharlo ( y con el tiempo olvidarlo totalmente). Que todos esos colores están dentro, y que podemos seguir buscando afuera con ciencia y tecnología, viajes a otros planetas, pero seguirá siendo un desarrollo solo exterior y cada vez mas alejado de lo interno. Y en vez de reconectar con nuestro planeta y con nosotros mismos y los demás nos estaríamos desconectando. Y esa fuente de energía, belleza, creatividad y paz se olvida cuando está disponible ahora, en este preciso momento.

………..

This image of a nebula in space shows that what is so far away is very close. That we have that inside, we are made of the same materials. Those colors and shapes that are in space are within us (hydrogen, carbon, ecc). We are literally stardust. The cultivation of creativity, especially painting, shows me and confirms that everything essential is here inside and not outside. However, mental noise and the distractions of the world make it impossible to hear it (and over time, we forget it completely). That all those colors are inside, and that we can continue looking outside with science and technology, trips to other planets, but it will continue to be an external development and increasingly far from the internal. And instead of reconnecting with our planet and with ourselves and others, we would be disconnecting. And that source of energy, beauty, creativity and peace is forgotten when it is available now, at this very moment.

This image inspire some of my paintings / ésta imagen inspira algunas de mis pinturas.

Questa immagine di una Nebulosa nello spazio mostra che ciò che è così lontano è molto vicino. Che ce l’abbiamo dentro, siamo fatti degli stessi materiali. Colori e quelle forme che sono nello spazio sono in noi. siamo letteralmente polvere di stelle. La coltivazione della creatività, soprattutto la pittura, mi mostra e conferma che tutto l’essenziale è qui dentro e non fuori. Tuttavia, il rumore mentale e le distrazioni del mondo rendono impossibile ascoltarlo (e col tempo dimenticarlo completamente). Che tutti quei colori sono dentro, e che possiamo continuare a cercare fuori con la scienza e la tecnologia, viaggi su altri pianeti, ma continuerà ad essere uno sviluppo solo esterno e sempre più distante dall’interno. E invece di riconnetterci con il nostro pianeta, con noi stessi e con gli altri, ci disconnetteremmo. E quella fonte di energia, bellezza, creatività e pace viene dimenticata quando è disponibile ora, proprio in questo momento.